Pancho Villa, el guerrillero /I de III

(México, 5 de junio de 1876 - 1923)

Doroteo Arango, mejor conocido después como Pancho Villa, nació el 5 de junio de 1876 en el Rancho de Río Grande, ahora conocido como La Coyotada, cerca de un pueblo llamado San Juan del Río, del municipio del mismo nombre, en el estado de Durango. Sus padres fueron Agustín Arango y Maria Micaela Arámbula, ambos mestizos. De origen muy humilde, hijo de peones incultos, tampoco fue nunca a la escuela (aunque sí aprendería a leer y escribir y promovería el desarrollo escolar en México). Huérfano, tuvo una infeliz niñez y una conducta muy rebelde en la adolescencia, fue leñador, agricultor, comerciante, y bandido antes de hacerse militar revolucionario. Doroteo Arango se convierte en Pancho Villa En 1894 Doroteo se dedicó un tiempo a la agricultura en una hacienda de la familia López Negrete pero en septiembre de ese mismo año se convirtió en fugitivo de la ley después de asesinar al dueño de la hacienda, Agustín López Negrete, quien había violado a su hermana. Se refugió en la sierra donde, según una de las versiones del porqué cambió de nombre, sufrió de hambre y ya casi moribundo fue rescatado por una pandilla de bandidos encabezada por un hombre llamado Francisco Villa, quien lo recogió, lo alimentó y se convirtió en su amigo. Doroteo Arango empezó a operar con esta pandilla asaltando pueblos y delinquiendo en otras áreas. Por su lealtad se ganó la confianza de Villa. En una ocasión el jefe de la banda sufrió una herida de bala, y cuando agonizaba nombró a Doroteo Arango como jefe de su pandilla, y entonces Doroteo Arango cambió su nombre al de Francisco (Pancho) Villa, rescatando así para siempre del olvido el nombre de su buen amigo. Pancho Villa y su banda continuaron realizando actos de vandalismo. Regresó a la hacienda donde había matado a Agustín López Negrete, y liquidó al cuñado de éste y a sus hombres, que lo buscaban para matarlo. Villa empezó a seguir una causa en defensa de la clase obrera que era fuertemente explotada al punto de comparación con la esclavitud. Pancho Villa el bandolero Después de los asesinatos, se fue al monte y, proscrito durante veintidós años, estuvo huyendo de las tropas federales enviadas en su persecución. Pancho Villa entró rápidamente en la leyenda popular. Su nombre se hizo tan famoso que pronto todos los robos de trenes, asaltos y ejecuciones en el norte de México eran atribuidos a la leyenda Pancho Villa. Creció un inmenso acervo de historias populares entre los peones de las haciendas en torno a su nombre. Muchas canciones y corridos celebran aún hoy las hazañas de Pancho Villa, cantadas por los pastores, al calor de sus hogueras, por la noche, en las montañas, que son la reproducción de las coplas heredadas de sus padres o que otros compusieron. Hay una historia en la que Villa, enfurecido al conocer la miseria de los peones en la hacienda de Los Álamos, reclutó una pequeña partida de hombres y cayó sobre la mansión de los patronos, saqueándola y distribuyendo los frutos expropiados entre los pobres. Después, Pancho Villa arreó millares de cabezas de ganado desde Terrazas y cruzó con ellas la frontera. Asaltaba una mina y se apoderaba del oro o plata en barras. Cuando necesitaba maíz, expropiaba el granero de algún latifundista. Reclutaba a sus tropas en ranchos alejados de caminos transitados, y los organizaba en las montañas. Muchos de los soldados de la revolución y algunos generales constitucionalistas, como Urbina, pertenecieron a la guerrilla de Pancho Villa. Sus dominios iban del sur de Chihuahua al norte de Durango, y se extendían desde Coahuila, cruzando la República, hasta el Sinaloa. Villa era conocido en todas partes como El amigo de los pobres. Durante las épocas de miseria, se encargaba de alimentar a regiones enteras y se hacía cargo de la gente desalojada de sus poblados por las tropas federales. Pancho Villa entra en la Revolución Mexicana En las elecciones de 1910, Francisco I. Madero desafió al presidente Porfirio Díaz con un programa democrático y de reformas sociales, pero el veterano dictador lo encarceló para ganar las elecciones. Después lo liberó, y Madero viajó a Texas, desde donde proclamó la insurrección, cruzó la frontera y se dirigió hacia la capital, agrupando tropas de voluntarios, hasta que logró entrar a la ciudad de México, en mayo de 1911, acabando con la larga dictadura de Porfirio Díaz iniciada en 1876. Para entonces, Pancho Villa, todavía un guerrillero, había conocido a Abraham González, representante político de Francisco I. Madero en Chihuahua, y de él recibió la educación básica que le hizo abrir los ojos al mundo político y cambiar su visión sobre su propia vida y su relación con los que estaban en el poder (en este caso, en Chihuahua, con la familia Creel Terrazas). Villa se sumó al proyecto de Madero, quien ya siendo presidente electo, después del breve interinato de Francisco León de la Barra, lo nombró capitán del ejército, y como tal, Villa fue con Madero a la ciudad de México, donde lo nombraron general honorario de los nuevos rurales. Pero las reformas sociales de la revolución no podían desplegarse sin el apoyo de las masas campesinas. Eso significaba enfrentarse a la oligarquía terrateniente y a los Estados Unidos, que también mantenían importantes intereses económicos en México. Había que atacar poderosos grupos privados para distribuir la tierra entre los campesinos, y éstos últimos no estaban organizados. El gobierno de Madero se vio acosado por la contrarrevolución. En 1912 Pascual Orozco comenzó un levantamiento. Las tropas de Pancho Villa fueron agregadas a las del general Victoriano Huerta, cuando éste partió hacia el norte para combatir la rebelión. Pancho Villa era comandante de la guarnición en Parral y derrotó a Orozco con una fuerza inferior en la única batalla decisiva de la campaña. Pero Victoriano Huerta no era de fiar y muy pronto empezó a descubrir sus cartas. Inesperadamente acusó de insubordinación a Pancho Villa, diciendo haberle telegrafiado una orden a Parral, que Villa manifestó no haber recibido, y lo envió ante un tribunal militar en Jiménez. En sólo quince minutos el futuro y más poderoso antagonista de Huerta fue condenado al fusilamiento. El hermano de Madero, que pertenecía al estado mayor de Huerta, detuvo la ejecución, y el presidente Madero, obligado a respaldar a su general en jefe de la campaña, encarceló a Pancho Villa en la penitenciaría de la capital. Durante todo este periodo, Villa permaneció leal al Presidente, sin vacilaciones, actitud sin precedente en la historia mexicana. Poco después, logró fugarse de la cárcel y el gobierno de Madero se hizo de la vista gorda ante el hecho. Vivió en el Paso, Texas, hasta que estalló el último levantamiento, y desde allí partió con cuatro acompañantes, tres caballos, medio kilo de azúcar, medio de café y medio de sal, en abril de 1913, a conquistar México. Dos meses antes, los latifundistas (contrarrevolucionarios, la "eterna" minoría en el poder), secundados por la mitad del ejército, se habían levantado contra Madero, y aunque se vieron en situación difícil, la balanza se inclinó a su favor cuando se les sumó Victoriano Huerta al frente de unidades de su ejército acantonadas en la ciudad de México. Esto provocó la renuncia de Madero y su posterior asesinato. La mayoría de los gobernadores reconocieron a Huerta como su nuevo presidente.

(Continuará)

El migrante Martín Ramírez

(México, 1895 – EUA, 1963) De “loco” a gran artista autodidacta

David Brooks /La Jornada

Más de 40 años después de su muerte, Martín es reconocido como uno de los grandes artistas autodidactas del mundo cuyos dibujos encierran la historia, vicisitudes, sufrimiento y soledad de su “locura”.

Durante 10 años, Víctor Espinosa se dedicó a indagar quién era el que hacía estos extraordinarios dibujos en un cuarto con capacidad para 30 pacientes, pero que albergaba hasta 70, en un manicomio en California. Supo que sobre el piso colocaba el papel y trabajaba con lápices, crayolas, acuarelas y recortes de revistas que lograba obtener.

En la obra de Ramírez, Espinosa descubrió a un migrante mexicano que deseaba contar, una y otra vez, su historia, al tiempo de rescatar y trazar su trayectoria mediante cientos de dibujos que juntos ofrecen la narrativa de una vida y una identidad que médicos, autoridades, y después comerciantes de arte, habían intentado anular. De pronto, Martín Ramírez recuperó su nombre y apellido. ''Pensaban que era mudo y loco, pero esto era el reflejo del racismo contra los migrantes", comenta Espinosa en entrevista con La Jornada. Y es que no hablaba inglés y ni la policía ni los médicos lo entendían, pero sí lo diagnosticaron como ''incurable" por una depresión crónica y una ''esquizofrenia catatónica". Fue catalogado como un creador outsider (arte de los marginados), como un autodidacta naif, y un ejemplo de aquellos que desde manicomios, cárceles y otras esquinas marginales de la sociedad, fuera del universo formal de las artes plásticas, producían obra como algo proveniente de otro mundo. La primera gran exposición de su obra en un museo de Nueva York, el American Folk Art Museum, y la primera retrospectiva en casi 20 años (23 de enero al 13 de mayo de 2007) incluyó, por primera vez, el fruto de alrededor de dos décadas de investigación sobre el artista realizada por Víctor y Kristin Espinosa, ambos sociólogos, y con ello la revelación de la vida del artista y el contexto que describe su obra. Martín Ramírez nació en el municipio de Tepatitlán, un rancho en Los Altos de Jalisco, en 1895, se casó y tuvo cuatro hijos (aunque no vio el nacimiento de su único hijo varón). Tenía un terreno y, lo que más amaba, un caballo. En 1925 se vio obligado a migrar al norte por la situación política y económica que padecía esa región y llegó eventualmente a California, donde trabajó en el ferrocarril y en las minas. Al inicio mantuvo contacto con su familia, enviando remesas y soñando con regresar. Pero el sueño americano se destruyó al estallar la gran depresión. Durante el mismo periodo, su creciente preocupación por la guerra cristera que tiene su epicentro justo en Los Altos, le provoca gran angustia. Peor aún, cuenta Espinosa, recibe una carta de su hermano contando que han perdido todo, y que estaban a punto de ejecutarlo junto con otros, pero que la esposa de Ramírez lo salvó al decir que era su esposo y más, pero lo que entiende Ramírez es que su esposa y los demás lo han traicionado al sumarse a los federales contra los cristeros. Desempleado y desconsolado por las desgracias en su vida, viviendo en las calles en el norte de California, en 1931 es arrestado por la policía e internado en un hospital siquiátrico. Aunque intentó escapar varias veces, desde entonces hasta el fin de su vida, en 1963, Ramírez vivió en manicomios, donde casi nunca hablaba con nadie. Pero pronto empezó a dibujar. Sin embargo, toda la obra que produjo entre 1935 y 1948 fue destruida por el personal del manicomio, porque pensaba que sólo eran los dibujos de un loco. En 1948 fue trasladado al Hospital Estatal DeWitt, en Auburn, California, y es ahí, cuenta Espinosa, que ''ocurre el milagro". El aura de misterio Ese mismo año, por casualidad, Tarmo Paso, profesor de sicología y arte en la Universidad Estatal de Sacramento, ve la obra y reconoce su valor artístico, posteriormente se encuentra con Ramírez en el manicomio. Obliga al hospital a rescatar las obras y empieza a brindarle materiales. Colecciona la obra y empieza a divulgarla al público, con la primera exhibición en la Galería Crocker, en 1951. Se interesan en ella coleccionistas y galerías y desde ahí la obra empieza a ser conocida en algunos circuitos artísticos en Estados Unidos. En total, se logran rescatar unos 300 dibujos y son exhibidos en Syracuse, Chicago, San Francisco, Los Angeles, Filadelfia, como también en Londres, donde empieza a adquirir cada vez más valor (artístico y comercial). En 1986, su obra es incluida en una exposición de los artistas latinos más importantes (los mexicano-estadunidenses), y Octavio Paz, encargado de escribir el catálogo sobre esa exhibición, se enfoca en Ramírez, provocando irritación entre los otros artistas y los curadores. En 1989 se organizó la primera gran exposición de su obra en México, en el recién inaugurado Museo de Arte Contemporáneo, rompiendo récord de asistencia. El trabajo de Ramírez empieza a cotizarse en decenas de miles de dólares; su obra es adquirida por algunos museos (el Guggenheim, en Nueva York, tiene 10 de sus dibujos), pero aún se sabe muy poco sobre el artista. Espinosa cuenta que los coleccionistas, los comerciantes de arte y hasta los críticos lo preferían así, para con ello mantener el aura de misterio (así y como “genio loco” se vendía mejor). En México, los críticos decían que no se podía considerar a Ramírez como un artista mexicano, porque produjo su obra en Estados Unidos. Pero con la investigación de los Espinosa, lo que antes se trataba como obras de un loco, y cada dibujo como un objeto separado y sin ningún contexto, se revela como una historia coherente. ''Todos los dibujos, todos, son autobiográficos", explica Espinosa a La Jornada. ''Cuenta su historia, su crisis", dice. Desde la situación apocalíptica en México, en su tierra natal, su estancia en Estados Unidos, así como la crisis económica que vive sin poder regresar, con noticias que interpreta como traiciones, y perdido en las calles de un lugar ajeno donde no se puede comunicar por desconocer el idioma, ''hasta el más entero y fuerte puede doblegarse, ¿o no?", dice su biógrafo. Pero los dibujos son ''su memoria de sobrevivencia, pero a la vez son su forma de sobrevivir". La obra tiene que verse en su conjunto, insiste Espinosa, ya que Ramírez ''está construyendo una narrativa, es una obra total".

http://www.jornada.unam.mx/2007/05/09/index.php?section=cultura&article=a52n1cul

Muhammed Alí (Cassius Clay)

(1942)

Cassius Clay nació en Louisville, Kentucky. A los 12 años le robaron su bicicleta, y un policía (entrenador de boxeo) llamado Joe Martin, le recomendó que aprendiera a pelear. A la postre, bajo su tutela Martin lo haría crecer rápidamente en las categorías juveniles. En su juventud, Clay se convenció de ser el más grande pugilista que había nacido en el mundo tan sólo por haber ganado una pelea callejera. El 29 de octubre de 1960, en Louisville, Cassius Clay obtuvo su primera victoria como profesional. Fue por puntos, en una pelea a 6 rounds enfrentando a Tunney Hunsaker, quien era el jefe de policía de Fayetteville, West Virginia. A pesar de ser un alumno regular en su escuela, Cassius Clay ganó 6 veces los guantes dorados de Kentucky y se graduó a pesar de sus bajas notas. En los Juegos Olímpicos de Roma 1960, Cassius Clay obtuvo la medalla de oro en la categoría de pesos ligeros. Tras ello, se volcó al profesionalismo bajo la tutela de otra leyenda del boxeo: Angelo Dundee. Clay pronto se volvió famoso por su estilo poco ortodoxo, sus resultados espectaculares y su constante autopromoción. En conferencias de prensa o programas de televisión solía recitar poemas compuestos por él mismo en los que mencionaba en qué round noquearía a su oponente. Eran bien conocidas las alabanzas de Cassius a sí mismo, con frases como "soy el más grande" o "soy joven, hermoso, rápido y nadie me puede vencer". La carrera pugilista de Cassius Clay Entre 1960 y 1963, Cassius Clay alcanzó un récord de 19-0, incluyendo 15 knockouts. En sus primeras peleas profesionales mostró una increíble rapidez de manos y pies considerando su estatura de 1.88 metros y un peso de 85 kilogramos. Derrotó a boxeadores de la talla de Tony Esperti, Jim Robinson, Donnie Fleeman, Duke Sabedong, Alonzo Johnson, George Logan, Willi Besmanoff, Lamar Clark (que había ganado sus 40 peleas anteriores por knockout), Sonny Banks (que logró tirar a la lona a Cassius durante la pelea), Alejandro Lavorante, y Archie Moore (una leyenda del boxeo que tenía en su haber 200 victorias). Extrañamente, tanto Banks como Lavorante murieron en el ring en combates posteriores. Cassius Clay rápidamente se convirtió en el contendiente número uno por el título que en ese entonces ostentaba Sonny Liston, campeón temido y respetado, y prácticamente nadie otorgaba al joven boxeador posibilidad de derrotarlo. Liston, ahora rival de Clay, no sólo había conseguido la corona al noquear en el primer asalto a Floyd Patterson, sino que también lo demolió en la revancha. Igualmente despachó por la vía rápida a Cleveland Williams, Nino Valdés y Zora Folley. Sin embargo Cassius Clay consiguió la victoria en este combate con su técnica peculiar que él mismo había definido como "vuela como una mariposa y pica como una abeja", la cual se basaba en moverse alrededor del rival e ir golpeándole constantemente de forma que el rival no pudiera pensar en casi ningún momento del combate. El combate entre ambos se inició con Clay bailando alrededor de un Liston ansioso por hacerle daño. Para sorpresa de todos, Clay esquivó los primeros puñetazos y además le partió una ceja al campeón en el segundo asalto. Sin embargo, al término del tercero Clay volvió a su rincón ciego, con un terrible escozor en los ojos y pidiendo a gritos a su entrenador, Angelo Dundee, que arrojase la toalla. Puede que aplicaran linimento en los guantes de Liston con mala intención, o que la pomada a base de hierro usada para contenerle la hemorragia causara estragos en la vista de Clay. En el sexto asalto, recobró la visión y contuvo al campeón, que ya no pudo saltar a disputar el séptimo por un dolor en el hombro. "¡Soy el más grande!, ¡soy el más grande!", fue la frase con que Cassius Clay oficializaría ese triunfo sobre el "Oso feo", como llamaba burlonamente a su contrincante. Un año después le dio la revancha, con el título del mundo en juego, y lo derrotó en el primer asalto con uno de los KO más espectaculares de la historia del boxeo, el golpe con el que lo noqueó fue conocido como la mano fantasma. Se dice que esta pelea estuvo arreglada. Nace Muhammed Alí En 1964, después de la victoria contra Sonny Liston, Cassius Clay se convirtió al islam y adoptó el nombre de Muhammed Alí. Tres años después, el 28 de abril de 1967, se negó a formar parte del ejército que pelearía en Vietnam alegando ser musulmán y por lo tanto objetor de conciencia. No le importó exponerse a un castigo de cinco años de prisión y 10 mil dólares de multa por negarse a servir en las Fuerzas Armadas. Acusado de desertor, las autoridades del boxeo declararon su título vacante. Sin embargo Muhammed Alí regresó al ring en 1970 y ganó dos peleas, pero perdió el combate por el título contra Joe Frazier en marzo de 1971. Ese mismo año el Tribunal Supremo de los Estados Unidos revocó la condena de Alí, y este reapareció en 1974 con todos los honores derrotando a Frazier, lo cual le dio la oportunidad de luchar contra el campeón, George Foreman. La pelea, que tuvo lugar en Zaire, África, el 30 de octubre de 1974, está considerada como la mejor del siglo XX, y tienen razón. Foreman, un pegador imparable, se enfrentaba a Alí, una bailarina. Pero el combate no resultó así: a mitad del primer asalto Alí se mete en las cuerdas y sube su guardia. Casi no lanza ningún puñetazo, mientras Foreman le tira con todo lo que tiene. Pasa un asalto, otro, otro... En el cuarto, se ve cansado a Foreman, no se puede lanzar continuamente el puñetazo más fuerte del mundo y seguir tan fresco. En el quinto bajan de intensidad, en el sexto son poco más que tortas, en el séptimo se oía resoplar a Foreman por todo el ring como si fuera una locomotora de vapor... Entonces Alí, que ha aguantado todos los golpes, sale de su letargo y comienza a conectar golpes a la cara de su rival. Llega el octavo y Foreman esta muy cansado. Alí golpea como si acabara de bajar del avión... Una buena combinación y... Foreman está en la lona. Alí es otra vez campeón de los pesos pesados. Cuatro años más tarde (1978) Muhammed Alí perdió el título ante Leo Spinks en Las Vegas, y meses después consiguió recuperarlo tras derrotar a Spinks en Nueva Orleáns. El retiro Muhammed Alí anunció su retirada en 1979, pero al año siguiente retó al que era entonces campeón mundial, Larry Holmes, quien lo venció con claridad. Su carácter temperamental y fanfarrón hizo de Muhammed Alí siempre un acreedor a un puesto preferente en la prensa deportiva. Su larga carrera tenía que dejarle huella y en 1984 se enteró que sufría el Mal de Parkinson, un síndrome neurológico caracterizado por temblores, rigidez de los músculos y lentitud del habla y de los movimientos. En los Juegos Olímpicos de Atlanta (1996) Muhammed Alí encendió la llama olímpica en el estadio. La vida y el éxito de Muhammed Alí se transformaron en un ejemplo vivo para generaciones venideras del deporte, así como un icono del guerrero y el arte de combatir, usando no sólo el talento sino la audacia, astucia y valor, atacando también la mente de sus oponentes. Muhammed Alí, que ya se había ganado la reputación de luchador agresivo de fuerte personalidad, estuvo siempre en primera plana en los medios de comunicación, retando y provocando a sus contrincantes a través de entrevistas y confrontaciones concertadas de antemano. Llegó a ser una figura del deporte reconocida a nivel mundial y se retiró como uno de los mejores campeones de boxeo. Aquél muchacho rural arrogante de Louisville, Kentucky llegó a ser uno de los boxeadores más exitosos de todos los tiempos, pero además influyó en miles de personas de todo el mundo al defender valientemente sus creencias personales y religiosas.

"Cuando un hombre rico y famoso habla se arriesga a perderlo todo. Pero a cambio, puede ayudar a mucha gente. Durante mi carrera no vieron al verdadero Ali. Sólo vieron un poco de boxeo y un poco de espectáculo. Fue después de mi retirada cuando apareció el verdadero hombre. He ganado más de lo que he perdido y nunca tuve una voz tan poderosa como ahora".

Muhammad Ali

http://www.vidasdefuego.com/biografia-cassius-clay-muhammed-ali.htm http://reyesdeldeporte.blogspot.com/2006/06/cassius-clay-muhammad-ali.htmlhttp://www.islamyal-andalus.org/publicaciones/conversos/muhammad_ali.htm

Alejandra Pizarnik

Poeta argentina nacida en Buenos Aires en 1936. Obtuvo su título en Filosofía y Letras por la Universidad de Buenos Aires y posteriormente viajó a Paris hasta 1964 donde estudió Literatura Francesa en La Sorbona y trabajó en el campo literario colaborando en varios diarios y revistas con sus poemas y traducciones de Artaud y Cesairé, entre otros. Es una de las voces más representativas de la generación del sesenta y está considerada como una de las poetas líricas y surrealistas más importantes de Argentina.

HIJA DEL VIENTO Han venido. Invaden la sangre. Huelen a plumas, a carencias, a llanto. Pero tú alimentas al miedo y a la soledad como a dos animales pequeños perdidos en el desierto. Han venido a incendiar la edad del sueño. Un adiós es tu vida. Pero tú te abrazas como la serpiente loca de movimiento que sólo se halla a sí misma porque no hay nadie. Tú lloras debajo del llanto, tú abres el cofre de tus deseos y eres más rica que la noche. Pero hace tanta soledad que las palabras se suicidan.

LA ENAMORADA ante la lúgubre manía de vivir esta recóndita humorada de vivir te arrastra Alejandra no lo niegues. hoy te miraste en el espejo y te fuiste triste estabas sola y la luz rugía el aire cantaba pero tu amado no volvió enviarás mensajes sonreirás tremolarás tus manos así volverá tu amado tan amado oyes la demente sirena que lo robó el barco con barbas de espuma donde murieron las risas recuerdas el último abrazo oh nada de angustias ríe en el pañuelo llora a carcajadas pero cierra las puertas de tu rostro para que no digan luego que aquella mujer enamorada fuiste tú te remuerden los días te culpan las noches te duele la vida tanto tanto desesperada ¿adónde vas? desesperada ¡nada más!

SALVACIÓN Se fuga la isla. Y la muchacha vuelve a escalar el viento y a descubrir la muerte del pájaro profeta. Ahora es el fuego sometido. Ahora es la carne ... la hoja ... la piedra perdidas en la fuente del tormento como el navegante en el horror de la civilización que purifica la caída de la noche. Ahora la muchacha halla la máscara del infinito y rompe el muro de la poesía.

ANILLOS DE CENIZA A Cristina Campo Son mis voces cantando para que no canten ellos, los amordazados grismente en el alba, los vestidos de pájaro desolado en la lluvia. Hay, en la espera, un rumor a lila rompiéndose. Y hay, cuando viene el día, una partición de sol en pequeños soles negros. Y cuando es de noche, siempre, una tribu de palabras mutiladas busca asilo en mi garganta para que no canten ellos,

los funestos, los dueños del silencio.

http://amediavoz.com/pizarnik.htm

Rabindranath Tagore

(7 de mayo de 1861 - 1941)

Poeta bengalí, filósofo del movimiento Brahmo Samaj (posteriormente convertido al hinduísmo), artista, dramaturgo, músico, novelista y autor de canciones que fue galardonado con el Premio Nóbel de literatura en 1913, convirtiéndose en el primer asiático laureado con este reconocimiento. Tagore, también conocido como Gurudev, revolucionó la literatura bengalí con obras tales como El hogar y el mundo y Gitanjali. Extendió el amplio arte bengalí con su multitud de poemas, historias cortas, cartas, ensayos y pinturas. Fue también un reformador cultural y un polimata (adepto a varios temas) que modernizó el arte bengalí desafiando las severas críticas que hasta entonces lo vinculaban a unas formas clasicistas. Dos de sus canciones son ahora los himnos nacionales de Bangladesh e India: el Amar Shonar Bangla y el Jana Gana Mana.

Primeros años

Tagore nació en Jorasanko, Calcuta. Fue hijo de Debendranath Tagore y de Sarada Devi. Su padre, que formuló la fe Brahmán propagada por su amigo el Rajá reformador Rammohun Roy, se convirtió en la figura central de la sociedad Brahmán después de la muerte de Roy, a quién respetuosamente se le trataba de maharishi por parte de sus seguidores. El padre de Rabindranath continuó liderando el Adi Brahmo Shomaj hasta su muerte. Tagore fue el menor de catorce hijos. De niño, vivió en una atmósfera de publicación de magazines literarios y de representaciones musicales y de teatro. De hecho, los Tagore de Jorasanko eran el centro de un extenso grupo social amante del arte. El hermano mayor de Tagore, Dwijendranath, era un respetado poeta y filósofo. Otro de los hermanos, Satyendranath, fue el primer miembro de etnia india admitido en el elitista y antiguamente formado solo por blancos Servicio civil indio. Además otro hermano, Jyotirindranath Tagore, era un músico de talento, compositor y autor de obras. Entre sus hermanas, Swarna Kumari Devi, se ganó fama como novelista por su propio derecho. La esposa de Jyotirindranath, Kadambari, que tenía casi la misma edad que Tagore, fue una querida amiga y tuvo una poderosa infuencia en él. Su abrupto suicidio en 1884 lo dejó fuera de lugar durante varios años y marcó profundamente el timbre emocional de la vida literaria de Tagore. En 1878 Tagore viajó a Brighton, Inglaterra, para estudiar en una escuela pública. Más tarde estudió en el University College de Londres. Sin embargo, no terminó sus estudios y dejó Inglaterra después de una estancia de un año. Esta exposición a la cultura inglesa y a su lengua se filtraría en sus primeros escarceos con la tradición de la música Bengalí para crear nuevas formas de música. A pesar de eso, Tagore no abrazó nunca completamente las rígidas normas inglesas ni la estricta interpretación de la tradicional religión Hindú por parte de su familia en su vida o en su arte, eligiendo en su lugar tomar lo mejor de ambas esferas de experiencia.

Vida en Shelaidaha

El 9 de diciembre de 1883 Tagore se casó con Mrinalini Devi. La pareja tuvo dos hijos y tres hijas, varios de los cuales murieron en sus primeros años. Por esa época se había convertido en el centro de atención del mundo literario con varias obras. Su reputación se consolidó con recopilaciones como Sandhya Sangit (1882), que incluye el famoso poema Nirjharer Svapnabhanga (El grito de la cascada). En 1890 Tagore se marchó a gestionar las propiedades familiares en Shelaidaha, una región estuaria situada en el actual Bangladesh. Trabajos de este periodo terminaron de mostrarle como poeta. Además, estaba ganándose también una reputación como ensayista, escritor de obras y de historias cortas, reflejando la vida del pueblo que veía a su alrededor, haciéndole obtener considerables elogios.

Vida en Santiniketan

En 1901 Tagore dejó Shilaidaha y se trasladó a Santiniketan en Bengala Occidental, donde puso en funcionamiento una escuela experimental. Su padre le había dejado propiedades en este lugar. Esta escuela, establecida según la tradicional estructura Brahmacharya de los estudiantes viviendo junto a su Gurú en una comunidad autosuficiente, fue un imán para grupos internacionales de talentosos estudiantes, artistas, lingüistas y músicos. Tagore dedicó prodigiosas cantidades de energía a obtener fondos para esta escuela (utilizando por ejemplo lo ganado en el Nóbel). Hoy en día la institución es conocida como universidad Visva Bharati (India en el mundo), bajo el control del gobierno indio. Continuó escribiendo pero desafortunadamente su mujer murió, y también una de sus hijas más queridas y un hijo, dejándole destrozado. Por ese entonces ya tenía un amplio número de seguidores entre los lectores bengalíes y también se llevaron a cabo algunas traducciones de sus obras, pero de mediocre calidad. En respuesta a algunos admiradores ingleses tales como el pintor William Rothenstein, Tagore comenzó a traducir algunos de sus poemas en verso libre. En 1912, marchó a Inglaterra llevando con él un puñado de sus traducciones. Con las lecturas que allí dio de sus poemas conmovió a varios ingleses, más notablemente al poeta anglo-irlandés W.B.Yeats. En noviembre de ese mismo año se sorprendió al serle concedido el premio Nóbel de literatura, con base en un conjunto relativamente escaso de obras traducidas, cuyo centro era el Gitanjali. Junto con el misionero inglés Charles F. Andrews y W.W.Pearson, Tagore se embarcó en 1916 en un circuito de conferencias que lo llevó a Japón y Estados Unidos. Durante este viaje denunció el chovinismo nacionalista y los nacionalismos beligerantes de forma mundial, incluyendo el de los propios japoneses y americanos. También sería autor del ensayo "Nacionalismo en la India", enfocando el tema desde el punto de vista de su tierra natal. Esta posición le hizo recibir muchas críticas pero también le hizo ganar los elogios de pacifistas como Romain Rolland. En 1927 Tagore junto con dos compañeros se embarcó en un viaje de cuatro meses por el sureste asiático -visitando Bali, Java, Kuala Lumpur, Malacca, Penang, Siam y Singapur. Los diarios de viaje que escribió durante este tiempo fueron recopilados en su obra Jatri. Tagore escribió varias canciones apoyando el movimiento indio de independencia. Renunció al título de caballero que le concedió la corona británica en 1915 como protesta por la masacre de Jaliyaanwala Bagh en 1919 (Amritsar). Su sentimiento profundo era que la nación solamente podía ser despertada por medio de la educación para todas las personas. Estos puntos de vista se reflejaron en su escuela de Santiniketan. Comenzó a pintar a los 60 años, realizando varias y exitosas muestras de su arte en gran parte de Europa. Murió en su Jorasanko el 7 de Agosto de 1941, un día que aún es recordado en actos públicos dentro del mundo de habla bengalí.

Literatura

La poesía domina la reputación literaria de Tagore, pero también escribió novelas, ensayos, historias cortas, diarios de viaje y teatro. También escribió numerosas canciones que compuso todas él mismo. De la prosa de Tagore, quizás las obras que se tienen más en consideración son sus cuentos cortos, que comenzó a escribir desde los dieciséis años, en 1877, iniciando con Bhikharini (La mendiga). Se le atribuye la introducción de este género en la literatura bengalí. Están escritos en una prosa rítmica, a menudo incluso poética, y cuya principal temática son las vidas de la gente corriente.

Los cuatro años entre 1891-1895 son definidos por los historiadores como el periodo "Sadhana" de Tagore (nombrado con base en uno de los magazines de Tagore). El fruto principal de este periodo forma cerca de la mitad de los cuentos en los tres volúmenes del Galpaguchchha, que es una colección de 84 relatos.

http://es.wikipedia.org/wiki/Rabindranath_Tagore

César Vallejo, Poeta Universal

(Perú, 16 de marzo de 1892 - Francia, 15 de abril de 1938) César Abraham Vallejo Mendoza nació en Santiago de Chuco, un pueblo andino del Perú. Sus padres fueron Francisco de Paula Vallejo Benítez y María de los Santos Mendoza Gurrionero. César fue el menor de once hermanos. Su apariencia mestiza se debe que sus abuelas fueron indias y sus abuelos sacerdotes gallegos. Era “hombre muy moreno, con nariz de boxeador y gomina en el pelo”, según González Ruano. Sus padres querían dedicarlo al sacerdocio, lo que él en su primera infancia aceptó de muy buena gana; de ahí que existan tantas referencias bíblicas y litúrgicas en sus primeros poemas. Sus estudios primarios los realiza en el mismo Santiago de Chuco, pero desde abril de 1905 hasta 1908 estudia la secundaria en el colegio San Nicolás de Huamachuco. En 1910 se matricula en la facultad de Letras de la Universidad de Trujillo pero se retira por carencias económicas. Apoya a su padre en sus tareas de gobernador y abogado y participa con los trabajadores de las minas de Quiruvilca, lo que recuerda más adelante en su novela El tungsteno. Luego viaja a Lima con el objeto de estudiar medicina en la facultad de San Fernando (UNMSM), pero interrumpe sus estudios en 1912. Trabaja en la hacienda azucarera Roma, en el valle de Chicama. Al año siguiente retorna a Trujillo a retomar sus estudios universitarios. Trabaja como profesor a fin de costearse sus estudios. Siendo profesor de primaria tuvo como pequeño alumno al novelista Ciro Alegría. En 1915 culmina su carrera de Letras y el 22 de septiembre expone su tesis de bachiller, El romanticismo en la poesía castellana. En 1916 frecuenta la “bohemia trujillana” (o también, el grupo “El norte”) y se enamora de María Rosa Sandoval. En 1917 conoce a “Mirto” (Zoila Rosa Cuadra), su segunda pareja, pero el romance duró poco y al parecer César intentó suicidarse a causa del desengaño. Como fuera, luego se embarcó en el vapor Ucayali con rumbo a Lima. En la capital encuentra en Clemente Palma a un detractor de su obra (había calificado de mamarracho el poema “El poeta a su amada”). Sin embargo, es este el periodo en que Vallejo conoce a lo más selecto de la intelectualidad limeña. Llegó a entrevistarse con José María Eguren y con Manuel González Prada, a quien los más jóvenes consideraban entonces un maestro y guía. En 1918 entra a trabajar al colegio Barros. Cuando en septiembre muere el director y fundador del citado colegio, Vallejo consigue la plaza de director del plantel. Luego, en 1919 es profesor en Guadalupe. Ese año ven la luz los poemas de Los heraldos negros, que muestran huellas del modernismo en su estructura. El poeta toca la angustia existencial, la culpa personal y el dolor, como, por ejemplo, en los conocidos versos "Hay golpes en la vida tan fuertes... ¡Yo no sé!" o "Yo nací un día / que Dios estuvo enfermo". Se vendieron relativamente pocos ejemplares, pero el libro fue bien recibido por la crítica. Su madre murió en 1920 y al volver a Santiago de Chuco es encarcelado injustamente durante 105 días, acusado de haber participado en el incendio y saqueo de una casa. En la cárcel escribe la mayoría de los poemas de Trilce. En 1921 sale en libertad condicionaly se dirige nuevamente a Lima, pues su cuento Más allá de la vida y de la muerte es premiado. En 1922 Antenor Orrego, líder del Grupo Norte, publica los poemas que Vallejo escribió durante su reclusión con el título Trilce, pero es recibido tibiamente por la crítica, que no alcanzaba a comprender la vanguardia. Salvo por el propio Antenor Orrego, quien dijo de Vallejo que "a partir de este sembrador se inicia una nueva época de la libertad, de la autonomía poética, de la vernácula articulación verbal". Trilce anticipó gran parte del vanguardismo que se desarrollaría en los años 1920 y '30. En este libro Vallejo lleva la lengua española a límites insospechados: inventa palabras, fuerza la sintaxis, emplea la escritura automática y otras técnicas utilizadas por los movimientos "dadá" y "superrealista", tal como el relato onírico Finnegans Wake de James Joyce. Es admitido nuevamente en el colegio Guadalupe. Con el dinero que le adeudaba el Ministerio de Educación, se embarca con rumbo a Europa, de donde no regresará. Viaja en el vapor Oroya el 17 de junio de 1923, con una moneda de quinientos soles. Arriba a París el 13 de julio. Sus ingresos siempre fueron insuficientes y provenían del periodismo, si bien también había fungido de traductor. Escribía para Variedades y Mundial. Inicia su amistad con Juan Larrea y con Vicente Huidobro; traba contacto con importantes intelectuales como Pablo Neruda y Tristán Tzara. En 1926 conoce a su primera compañera francesa, Henriette Maisse, con quien convivirá hasta octubre de 1928. Con el poeta español Juan Larrea funda una revista, pero sigue escribiendo para Variedades y Amauta, la revista de José Carlos Mariátegui. Profundiza sus estudios sobre el marxismo. En 1927 conoce a Georgette Phillipart. Ese año viaja a Rusia. Hacia 1929 sigue colaborando con Variedades, Mundial y el diario El Comercio, como corresponsal oficial. En 1930 el gobierno español le concede una modesta beca para escritores. Retorna a París y después parte a Rusia para participar en el Congreso Internacional de Escritores Solidarios con el Régimen Soviético. Nuevamente regresa a París y se casa con Georgette Phillipart en 1934. Se adhiere al Partido Comunista del Perú fundado por Mariátegui. En 1937 Vallejo y Neruda fundan en España el “grupo hispanoamericano de ayuda a España”. En 1938 es profesor de Lengua y Literatura, pero en marzo sufre de agotamiento físico. El 24 es internado por una enfermedad desconocida, que entra en crisis el 7 y el 8 de abril. Fallece el 15 de abril del '38, un viernes santo con llovizna en París, pero no un jueves, como escribió en un poema famoso. Se le realiza un embalsamiento. Su elogio fúnebre estuvo a cargo de Louis Aragon. El 19 de abril sus restos son trasladados a la Mansión de la Cultura y más tarde al cementerio de Moutrouge. El 3 de abril de 1970 los restos del poeta son trasladados al cementerio de Montparnasse. Se ha acusado a Georgette Phillipart de adueñarse del cadáver, pues los restos de César Vallejo no han sido devueltos al Perú. Poemas humanos, publicado por la esposa del poeta después de la muerte de Vallejo, es una obra de poesía política y social profundamente humanista, más que izquierdista. Casi todos los poemas de este libro son póstumos, aunque unos pocos fueron publicados por Vallejo en revistas. El poeta nunca indicó un título con el cual agruparlos, pero al revisar entre sus escritos se encontró que tenía planificado un libro de "poemas humanos", razón por la que sus editores eligieron titular así sus trabajos en verso y en prosa. No menos importante es su breve libro España, aparta de mí este cáliz, obra póstuma de César Vallejo, que sin duda compendia los versos más intensos y hondos que escritor alguno llevó a cabo sobre la Guerra Civil Española 1936-1939.

LOS HERALDOS NEGROS Hay golpes en la vida, tan fuertes ... ¡Yo no sé! Golpes como del odio de Dios; como si ante ellos, la resaca de todo lo sufrido se empozara en el alma... Yo no sé! Son pocos; pero son... Abren zanjas obscuras en el rostro más fiero y en el lomo más fuerte. Serán talvez los potros de bárbaros atilas; o los heraldos negros que nos manda la Muerte. Son las caídas hondas de los Cristos del alma, de alguna fe adorable que el Destino blasfema. Esos golpes sangrientos son las crepitaciones de algún pan que en la puerta del horno se nos quema. Y el hombre... Pobre... pobre! Vuelve los ojos, como cuando por sobre el hombro nos llama una palmada; vuelve los ojos locos, y todo lo vivido se empoza, como charco de culpa, en la mirada.

Hay golpes en la vida, tan fuertes... Yo no sé!

ESPERGESIA Yo nací un día que Dios estuvo enfermo. Todos saben que vivo, que soy malo; y no saben del diciembre de ese enero. Pues yo nací un día que Dios estuvo enfermo.

Hay un vacío en mi aire metafísico que nadie ha de palpar: el claustro de un silencio que habló a flor de fuego. Yo nací un día que Díos estuvo enfermo. Hermano, escucha, escucha... Bueno. Y que no me vaya sin llevar diciembres, sin dejar eneros. Pues yo nací un día que Díos estuvo enfermo. Todos saben que vivo, que mastico... Y no saben por qué en mi verso chirrían, oscuro sinsabor de féretro, luyidos vientos desenroscados de la Esfinge preguntona del Desierto. Todos saben... Y no saben que la luz es tísica, y la Sombra gorda... Y no saben que el Misterio sintetiza... que él es la joroba musical y triste que a distancia denuncia el paso meridiano de las lindes a las Lindes. Yo nací un día que Dios estuvo enfermo,grave.

http://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%A9sar_Vallejo

http://yachay.com.pe/especiales/vallejo/heraldos.htm

www.lainsignia.org/2001/abril/cul_056.htm

Vicente Aleixandre

(Sevilla, 26 de abril de 1898 - Madrid, 13 de diciembre de 1984)

Hijo de una familia de la burguesía española, su padre era ingeniero de ferrocarriles. Nace en Sevilla en 1898 pero pasa su infancia en Málaga, donde comparte estudios con el futuro escritor Emilio Prados. Se traslada a Madrid donde cursa estudios de Derecho y Comercio. En 1919 se licencia en Derecho y obtiene el título de intendente mercantil. Ejerce de profesor de Derecho Mercantil desde 1920 a 1922 en la Escuela de Comercio. En 1917 conoce a Dámaso Alonso en Las Navas del Marqués, lugar donde veraneaba, y este contacto supone el descubrimiento de Rubén Darío, Antonio Machado y Juan Ramón Jiménez. Inicia de este modo una profunda pasión por la poesía. Su salud empieza a quebrantarse en 1922. En 1925 se le declara una nefritis tuberculosa, que termina con la extirpación de un riñón, operación realizada en 1932. Publica sus primeros poemas en la Revista de Occidente en 1926. Establece contacto con Cernuda, Altolaguirre, Alberti y García Lorca. Después de la Guerra Civil no se exilia, a pesar de sus ideas izquierdistas. Permanece en España y se convierte en uno de los maestros de los jóvenes poetas.

LOS BESOS No te olvides, temprana, de los besos un día. De los besos alados que a tu boca llegaron. Un instante pusieron su plumaje encendido sobre el puro dibujo que se rinde entreabierto. Te rozaron los dientes. Tú sentiste su bulto, en tu boca latiendo su celeste plumaje. Ah, redondo tu labio palpitaba de dicha. ¿Quién no besa esos pájaros cuando llegan, escapan? Entreabierta tu boca vi tus dientes blanquísimos. Ah, los picos delgados entre labios se hunden. Ah, picaron celestes, mientras dulce sentiste que tu cuerpo ligero, muy ligero, se erguía. ¡Cuán graciosa, cuán fina, cuán esbelta reinabas! Luz o pájaros llegan, besos puros, plumajes. Y oscurecen tu rostro con sus alas calientes, que te rozan, revuelan, mientras ciega tú brillas. No lo olvides. Felices, mira, van, ahora escapan. Mira: vuelan, ascienden, el azul los adopta. Suben altos, dorados. Van calientes, ardiendo.

Gimen, cantan, esplenden. En el cielo deliran.

http://es.wikipedia.org/wiki/Vicente_Aleixandre

http://amediavoz.com/aleixandre.htm#LOS%20BESOS

Charlie Chaplin

El gran comediante "comunista"

Nació en Londres, Inglaterra, el 16 de abril de 1889, según dijo él mismo porque en ningún sitio consta documentación oficial de su nacimiento. Su madre fue una actriz de teatro que vio truncada su carrera debido a que padecía esquizofrenia. Su padre era alcohólico, por lo que la familia vivía sumida en la terrible pobreza urbana de esa ciudad a finales del siglo XIX. Creció rodeado de actores del music-hall, donde su padre fue un cantante. Poco después de su nacimiento se va el papá y Charlie y su hermano Sydney quedan al cuidado de su madre, pero ésta, debido al fracaso y falta de dinero ve trastornada su salud mental, lo cual la obliga junto con sus hijos a pasar largos períodos de tiempo en un asilo. Los comienzos Charles, con su hermano Sydney, dos años mayor, heredaron el talento artístico de la familia. Cuenta el propio Charlot que su primera aparición pública fue a la edad de 5 años, sustituyendo a su madre en un teatro londinense. Allí empezó a trabajar como actor infantil, y recibió buenas críticas. Mientras, su hermano, que se había convertido en una de las estrellas del grupo cómico de Fred Karno, convenció a éste de que contratara a su hermano. Posteriormente Karno lo envió de gira por Estados Unidos, a comienzo de la década de los años 1910. El cine Con estas giras, le ofrecieron un contrato y se fue a California, donde descubre el mundo del cine, y pronto recibe propuestas que lo llevan a probar suerte en Hollywood. En la meca del cine ya tenía buena reputación como comediante y pronto se encontró protagonizando películas que tuvieron un éxito inmediato. En su primera película, Charlot periodista, todavía no tenía la imagen que le caracterizaría siempre, pero ya en la segunda, Carreteras sofocantes, en 1914, llevaba su indumentaria de vagabundo. En todas sus posteriores películas interpretó a un vagabundo que buscaba mejorar su vida sin conseguirlo nunca. La población que buscaba el «sueño americano» se identificaba con estas historias y las aventuras del vagabundo tuvieron éxito continuo durante más de diez años, aunque el personaje fue evolucionando. En 1921 rodó El chico (The Kid, 1921), que acabó por convertir a Charlot en uno de los íconos, no ya del cine, sino de la historia. Este largometraje es una de las piezas más fascinantes en la historia del cine y sin duda la mejor que haya realizado Chaplin. La película tiene como eje central la importancia del amor humano, los afectos y como siempre una alta crítica social. Cuenta la historia de un hombre que decide criar a un bebé que fue abandonado por su madre. La relación entre los dos es enternecedora, a tal punto que lleva al espectador al llanto. Esta cinta fue muy importante para él porque en ella buscó mostrar lo que había sido su propia infancia. Siendo ya millonario, regresó a Europa con el fin de sacar a su madre del sanatorio mental donde estaba recluida y llevársela a América. Pese a esto, ella nunca sería consciente del triunfo de su hijo debido a su estado mental. El cambio al sonoro Chaplin fue renuente a abandonar el cine mudo, por lo que sus películas perdieron un poco el atractivo frente a las nuevas producciones sonoras que empezaron a producirse a finales de los años 1920. No quería que su personaje, Charlot, que había creado con tanto trabajo, hablara, porque pensaba que eso lo estropearía. De manera que el “vagabundo” nunca habló en una película, ni siquiera en Tiempos modernos donde el resto del elenco sí lo hace. Chaplin y el Mccarthismo Tras el final de la Segunda Guerra Mundial se desató en EEUU una «caza de brujas». Este fenómeno consistió en una política estatal que perseguía a los "comunistas" estadounidenses con la excusa de proteger la seguridad nacional, y aunque nunca declararon ilegal al Partido Comunista de Estados Unidos, sí era “ilegal” la vida de quien fuese o pareciese ser comunista, lo que suponía un atentado en contra de los derechos civiles de los ciudadanos. Chaplin, que ya había tenido muchos problemas con el Comité de Actividades Antiamericanas, y en general con los tribunales norteamericanos, debido a sus ideas progresistas exhibidas públicamente en todos sus cortometrajes y en muchas de sus películas, como Tiempos modernos o El gran dictador, sufrió esta “cacería”. El exilio En el año 1947, ese comité empezó a presionar a la fiscalía general de Estados Unidos para que deportaran a Chaplin. El 17 de septiembre de 1952, cuando el actor y su familia intentaban viajar en barco para asistir al estreno de Candilejas, en Europa, la fiscalía ordenó a migración retenerlos hasta que las leyes norteamericanas decidiesen si debían ser expulsados. Lo acusaron formalmente de “pertenecer al Partido Comunista, así como de graves delitos contra la moralidad y de formular declaraciones que demuestran una actitud hostil y de menosprecio hacia el país gracias a cuya hospitalidad se ha enriquecido”. Últimos años En abril de 1953, Chaplin se estableció en Suiza. En 1957, rodó una película en la que parodiaba a EEUU y a la paranoia que le llevó al exilio, Un rey en Nueva York. Regresó a Hollywood dos décadas después, ya convertido en un anciano, para recibir el que sería su segundo premio Oscar (1972), y que muchos interpretaron como un intento de reparación de todos los daños que le habían causado (si bien ya había obtenido un Oscar Especial por su película El Circo). En reconocimiento de sus destacados méritos fue nombrado caballero por la Corte Real británica y se convirtió en Sir Charles Chaplin (1975). Finalmente este humilde hombre que había cambiado el cine para siempre recibió una pizca del reconocimiento que se merecía. En los últimos años de su vida se mantuvo alejado del mundo en su mansión de Suiza, donde el 25 de diciembre de 1977, a la edad de 88 años, falleció mientras dormía. http://es.wikipedia.org/wiki/Charlie_Chaplin

Jean de la Fontaine

(1621-1695)

Se cree que nació el 8 de julio de 1621, en Château-Thierry, y estudió en la Universidad de Reims. Este escritor francés produjo las fábulas más famosas de los tiempos modernos. Era un literato que frecuentaba los salones de las cortes entre nobles, y de allí que siempre tenía algún mecenas que permitía su dedicación a la literatura. Fue abogado y ejerció su profesión, al tiempo que componía su obra poética. Su principal obra publicada fue una adaptación (1654) de Eunuco, del dramaturgo romano Terencio, pero su verdadera fama literaria la obtuvo especialmente con sus Cuentos y relatos en verso (1644). Perteneció a destacado grupo literario-filosófico francés en el que figuraban los dramaturgos Molière y Racine, y el crítico y poeta Nicolas Boileau-Despréaux, posteriormente publicó nuevos volúmenes de Cuentos y relatos en verso (1667-1674) y tres colecciones de sus Fábulas (1668-1694), las que lo convirtieron en uno de los hombres de letras franceses más eminentes de la época y entre las que podemos citar La zorra y la cigüeña, La cigarra y la hormiga, El gato y los ratones, El león y el ratón, El maestro y el niño, El ratón de campo y el ratón de ciudad, Los dos amigos y La mochila. En 1683 fue elegido miembro de la Academia Francesa. Sus fábulas resaltan por su agilidad e ingenio narrativo, así como por el amplio y sutil conocimiento que el autor tenía de la vida. Sus Cuentos y relatos están inspirados en el Decamerón de Giovanni Boccaccio, y otras obras anteriores, pero La Fontaine introdujo muchos cambios propios en estas historias, con una prosa y un ingenio únicos. Asimismo escribió poemas, libretos de ópera y obras de teatro como el relato romántico en verso y prosa Los amores de Psique y Cupido (1669).

La Fontaine murió el 13 de abril de 1695 en París.

http://www.bibliotecasvirtuales.com/biblioteca/literaturainfantil/fabulas/lafontaine.asp